INSCRIPCIONES ABIERTAS
Duración de cada laboratorio por semana:
tres (3) horas
Laboratorios 2026
Director General / TALLER DE GUIÓN
Maestro: Helbert Antía
Director y Productor General de Cine y Televisión. Docente Universitario en Escrituras Creativas, Producción Audiovisual y Guión Cinematográfico. Tallerista en artes escénicas. Director de proyectos creativos, documentales y de ficción.
TALLER DE FOTOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA Maestro: Carlos Sánchez
Documentalista y Director de Fotografía y Cámara, con más de cuarenta años de experiencia profesional en cine, televisión, video, comerciales y docencia. Premio India Catalina 1990 por la fotografía de María Cano dirigida por Camila Lobo Guerrero.
Presentación
El director de fotografía es quien tiene el control visual total de la película mediante el control de la cámara y la iluminación. Crea la atmósfera. Transmite instrucciones al operador de cámara (composición y movimientos de cámara), al asistente de cámara (movimientos, foco, filtros), al gripp (movimiento de cámara) y al jefe eléctrico para las luces en el set.
Objetivo general
Estudiar y aplicar los principales conceptos de la dirección de fotografía para cine, estudiando diferentes conceptos técnicos y estéticos, la cámara y las luces; para diseñar y materializar la propuesta visual de la película que se realiza dentro del curso.
La metodología combina talleres teórico-prácticos, donde se estudian los conceptos propios de la dirección de fotografía y se refuerzan con ejercicios inmediatos, con la participación activa de los estudiantes como parte del equipo de fotografía y cámara durante el rodaje real. El recorrido conceptual avanza de manera progresiva: parte de las funciones técnicas y plásticas del director de fotografía frente al guion, pasa por el funcionamiento de la cámara (análoga vs. digital, sensibilidad, diafragma, ISO, lux, formato, lentes y tamaño de plano), y profundiza en la naturaleza de la luz —incidente y reflejada, sistemas aditivo y sustractivo del color, filtros ND y de corrección, y temperatura en grados Kelvin— antes de llevar todo ese conocimiento a la práctica en exteriores e interiores, de día y de noche.
La segunda mitad del proceso se centra en la aplicación directa al proyecto: un recorrido histórico por los sistemas de iluminación (luz de ventana, sistema triangular, sistema de zonas, referencias del cine europeo) con práctica en cada uno, seguido de la lectura y análisis del guion, la visita y filmación de locaciones (planta de piso, fuentes de luz naturales y artificiales, posiciones y movimientos de cámara), y dos prácticas sucesivas de propuestas fotográficas que buscan determinar el tipo de fotografía que mejor sirve al guion y a la preproducción. El proceso cierra con dos semanas dedicadas a rodaje y colorización, donde el estudiante integra en producción real todo lo trabajado a lo largo de las diez sesiones.
LABORATORIO DE ESCENOGRAFÍA Y DIRECCIÓN DE ARTE
Maestro: Henry Alarcón Osorno
Maestro y director en escenografía egresado de Accademia di Belle Arti di Nápoli, Italia. Facoltá Di Scenografia. Desarrolla su trabajo profesional en dirección de escenografía bajo la tutoría de los maestros italianos Toni Stefanucci, Giulano Lopriori y el maestro Gennaro Vallifuoco. Especializado en la proyección y construcción de escenografía y maquinaria escenotécnica para teatro, cine y televisión; con énfasis en teatro lirico y de prosa, experto en decoración y utilería. Documentador e investigador de la técnicas escénicas en Italia. Director de escenografía del proyecto “Urban” con la comunidad europea, Italia, 2002.
1. Presentación
El desarrollo estético, escenográfico y de dirección de arte de este largometraje se fundamenta de manera exclusiva en un modelo de trabajo experimental y en laboratorios progresivos. Estos procesos de investigación-creación comunitaria están diseñados para generar la propuesta visual y espacial definitiva que materializará la puesta en escena, articulando las directrices del director con las exigencias del lenguaje cinematográfico. La resolución escenográfica propuesta se sostiene en dos pilares fundamentales: la construcción colectiva y objetiva de los acontecimientos dentro del espacio, y un direccionamiento artístico claro y específico. Ante la limitante del tiempo como un factor determinante para el resultado final, este laboratorio optimiza los recursos mediante dinámicas de co-creación intensiva, asegurando que el diseño espacial responda de manera orgánica a las necesidades narrativas del Centro Experimental de Arte Comunitario.
2. Objetivo General
Realizar la escenografía para la filmación del largometraje de cine experimental, consolidando un encuentro colectivo, afirmativo e interdisciplinar entre los equipos de diseño escénico, dirección de arte, iluminación y diseño de vestuario.
3. Metodología General
El proyecto se estructurará bajo el formato de Laboratorios Integrales, donde convergen las áreas de escenografía, dirección de arte, vestuario e iluminación. Duración total: 10 semanas. Frecuencia: 5 días por semana. Intensidad horaria: 100 horas totales planificadas (distribuidas de acuerdo con la disposición general del equipo y las fases operativas).
TALLER DE ACTUACIÓN Y CREACIÓN DE PERSONAJE Talleristas: Ángela Triana Gallego y Luis Hernando Forero (Policarpo)
ÁNGELA TRIANA GALLEGO
Actriz · Dramaturga · Guionista
Actriz, dramaturga y guionista colombiana. Su trabajo se ha desarrollado entre el teatro, el cine, la televisión, la escritura y la formación artística. Es Magíster en Escrituras Creativas de la Universidad Nacional de Colombia, donde obtuvo mención meritoria por su trabajo de grado El Retorno, y Licenciada en Artes Escénicas de la Universidad Pedagógica Nacional. Cuenta también con estudios de posgrado en Gestión Cultural de la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. Su formación actoral incluye Técnica Meisner con Stephen Bayly y María Gowland, Técnica de Michael Chejov con Luis Miguel Hurtado, creación de personaje con el Teatro de los Andes y un taller de actuación con Julia Varley, del Odin Teatret.
LUIS HERNANDO FORERO PINEDA (POLICARPO)
Actor · Músico · Guionista
actor y músico colombiano. Su trayectoria artística se ha desarrollado principalmente en el teatro, el cine y la televisión, con una presencia de más de cinco décadas en la escena colombiana. Realizó estudios en la Escuela Nacional de Arte Dramático y antes de ingresar al Teatro La Candelaria hizo parte de los grupos El Molino y Teatro Máximo Gorki. En octubre de 1972 ingresó al Teatro La Candelaria, donde ha desarrollado gran parte de su trayectoria artística y ha participado en numerosos montajes del grupo. Su trabajo también se ha desarrollado en el cine y la televisión. De manera paralela a la actuación, la música ha ocupado un lugar importante en su trayectoria. Interpreta instrumentos como piano, arpa, cuatro, guitarra, tiple y saxofón, y ha participado en la creación musical de diferentes obras teatrales. En Guadalupe años sin cuenta hizo parte del proceso de creación de la música y las canciones de la obra.
Presentación
Este laboratorio hace parte del proceso de formación y creación para la realización de un largometraje. Se propone como un espacio de exploración actoral que permita acercar a los participantes a los personajes y situaciones que harán parte de la película.
El trabajo parte de la práctica, la improvisación y la escucha, entendiendo que la creación de un personaje también surge de la relación con los otros y de las situaciones que se van construyendo colectivamente.
El laboratorio se desarrollará de manera paralela al módulo de Técnica Cinematográfica, de modo que ambos procesos puedan alimentarse mutuamente. Mientras este espacio se concentra en la actuación, la creación de personajes y el trabajo sobre las escenas, el otro abordará las herramientas propias del lenguaje cinematográfico y el trabajo frente a cámara.
De esta manera, el laboratorio permitirá explorar las posibilidades de los participantes en relación con los personajes del largometraje y encontrar, a través del trabajo actoral, las formas en que pueden integrarse al proceso de creación de la película.
Objetivo
Desarrollar un proceso práctico de actuación y creación colectiva que permita explorar las posibilidades de los participantes en relación con los personajes y las escenas del largometraje.
Metodología
Se tomarán como referentes algunos principios de Konstantin Stanislavski y Sanford Meisner, especialmente aquellos relacionados con las circunstancias, las acciones, los objetivos, la escucha y la respuesta frente al compañero. Estos principios se abordarán desde la práctica, sin convertir el laboratorio en un espacio teórico sobre las técnicas.
La creación colectiva será transversal a todo el proceso: se probarán diferentes posibilidades, se retomarán los hallazgos y se permitirá que las escenas y los personajes se desarrollen a partir del trabajo con el grupo.
LABORATORIO DE CÁMARA Maestro: Jorge Mario Vera
Director de fotografía (ADFC) & Profesional en Conservación, restauración y preservación audiovisual y fotográfica. Director Técnico de la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano. Secretario General FELAFC (Federación Latinoamericana de Asociaciones de directores de fotografía cinematográfica- https://www.felafc.org/) Director procesos de Conservación, restauración y preservación. Señal Memoria-RTVC hasta 2024 (Conservación de más de 480.000 soportes incluyendo fílmicos, magnéticos y fotográficos). Presidente actual de la ADFC (Asociación de Directores de Fotografía - Cinematográfica de Colombia, asociado a IMAGO- Federación Internacional de asociaciones de Directores de Fotografía y FELAFC – Asociación Latinoamericana de asociaciones de directores de fotografía).
Presentación
Volver al encuadre /El poder de la cámara
Una aproximación teórico-práctica a la forma como la cámara, para el registro de imágenes en movimiento, construye lenguaje, estética y narración. Es una invitación a volver al encuadre en medio de esta “locura” digital. Es este curso se propone regresar al encuadre como herramienta fundamental de la narración cinematográfica, utilizando herramientas técnicas tecnológicas y estéticas.
Justificación: El módulo va de lo perceptivo a lo técnico y de lo individual a lo colectivo porque no se puede operar bien una herramienta que no se entiende. Cada bloque se apoya en el anterior —el encuadre visto en la prehistoria del cine reaparece al construir el cuadro, se pone a prueba con la óptica, se complejiza con el movimiento y se integra en la práctica final—, de modo que no se enseñan cinco temas sueltos sino una sola competencia construida en capas: leer, construir y mover una imagen con intención. El equilibrio teoría-práctica (una práctica por bloque) asegura que ningún contenido quede solo en la idea.
Metodología: Enfoque teórico-práctico progresivo en cinco bloques secuenciales:
-
Fundamentación conceptual (sin cámara aún).
-
Introducción técnica + Práctica 1 (individual).
-
Profundización en óptica + Práctica 2 (individual).
-
Movimiento y roles de cámara + Práctica 3 (en equipo).
-
Planeación y administración + práctica final de rodaje (integra todo lo anterior).
Principios transversales: progresión en espiral, aprender haciendo, de lo individual a lo colectivo, y evaluación formativa entre bloque y bloque.
LABORATORIO DE MUSICALIZACIÓN PARA CINE
Maestro: Néstor Uriel Rojas Melo
Docente, arreglista, productor musical y gestor bogotano. Magister en Música de la Pontificia Universidad Javeriana en el énfasis de Composición, donde recibió mención de honor por la suite para orquesta y trabajo de grado “Los Cuatro Ojos de Wicca”, documento que plantea rutas para crear música a partir del guion argumental en el cine. Paralelamente desarrolla un trabajo permanente en composición y orquestación de bandas sonoras para largo y cortometrajes. Creo música original para la serie Colombiar canal 13 que recibió el premio India Catalina a mejor reality 2024. Entre sus sus proyectos se destacan; la creación de la música original para el documental OS MENINOS DO OLVIDO producido para el canal TV SUPREN(Brasil), en 2019 hizo parte del grupo de compositores que creo la banda sonora para la película SHIRAZ. Adicionalmente hizo parte de la Junta directiva de la Asolación Colombiana de Compositores de Música para Cine.
Presentación
La música para audiovisual constituye un espacio de creación en el que convergen la composición musical, la narrativa, la imagen, la dramaturgia y las posibilidades expresivas del sonido. Musicalizar una obra cinematográfica implica comprender que la música no existe de manera aislada, sino que establece relaciones con la imagen, el montaje, los personajes, los ambientes, las emociones y el sentido narrativo de la obra.
En este contexto se propone el Laboratorio de Musicalización para Cine como un espacio formativo y creativo orientado a brindar a los participantes las bases fundamentales para comprender, experimentar y desarrollar procesos de creación musical aplicados a un audiovisual específico, cuya producción hace parte de una iniciativa de mayor alcance.
Objetivo general
Brindar a los participantes las bases conceptuales, técnicas y creativas para desarrollar procesos de musicalización de obras audiovisuales, mediante una experiencia práctica y colaborativa fundamentada en la Didáctica de la Creación y la Pedagogía del Bienestar, tomando como eje de trabajo un audiovisual que será producido dentro de la iniciativa.
Metodología
El laboratorio se desarrollará durante 30 horas, distribuidas en 10 sesiones de 3 horas, desde una metodología teórico-práctica, experiencial, colaborativa y basada en proyectos, en la que el audiovisual se convierte en el principal objeto de estudio y creación.
La propuesta parte del principio de la Didáctica de la Creación: aprender creando. Por ello, cada concepto será abordado a partir de una experiencia concreta de escucha, análisis, experimentación o composición. Los participantes no solamente recibirán herramientas para musicalizar cine, sino que las pondrán en práctica progresivamente sobre el audiovisual que hace parte de la iniciativa
LABORATORIO - TALLER ASISTENCIA DE DIRECCIÓN Maestro Fedrico: Rey/Sánchez
Actor, realizador de cine y video, guionista y director, egresado de la ASAB, como maestro de artes escénicas y de la Fundación Lumière como director y productor de cine. Como Actor se ha desempeñado en más de veinte proyectos escénicos y audiovisuales de carácter profesional. En la realización audiovisual ha sido director, productor, director de fotografía, montajista y director de actores en largos y cortometrajes. Ha realizado labores de jurado para festivales nacionales e internacionales de cine. En la docencia se ha desempeñado como profesor universitario en prestigiosas universidades. Director académico - Fundación Lumière. Director académico - Centro de formación de la Casa del Teatro Nacional. Se desempeña en el campo de la realización cinematográfica, la dirección teatral y la docencia.
Presentación
El asistente de dirección tiene como función principal apoyar al director en los diferentes aspectos relacionados con la realización de una producción audiovisual. Entre sus responsabilidades se encuentra elaborar el plan de rodaje, hacer seguimiento a su ejecución y garantizar que se cumplan las actividades previstas. Además, coordina y supervisa las labores del equipo de filmación, trabajando conjuntamente con el jefe de producción. También tiene un papel fundamental en la prevención y manejo de situaciones relacionadas con la seguridad dentro del set.
Una producción cinematográfica puede entenderse como una organización temporal que se conforma con el propósito de desarrollar un proyecto específico. Su estructura debe permitir que el trabajo se realice de manera organizada y eficiente. Por esta razón, uno de sus principales objetivos es completar la producción en el menor tiempo posible, Con el menor presupuesto posible y la mayor calidad.
Objetivo general
Entender las funciones del asistente de dirección durante la preproducción y la producción de una película, desde todos los aspectos técnicos, artísticos y metodológicos; para elaborar un plan de rodaje consecuente con el contenido, estilo y método de trabajo del director. Para aplicarlo en el rodaje del proyecto resultante de la conjunción de los talleres.
. Metodología
Cada encuentro de tres horas se distribuye en:
-
un momento de introducción al tema de manera teórica.
-
Visualización de material audiovisual como ejemplo del tema.
-
Ejercicios prácticos con guiones, que desarrollen el tema tratado.
En la etapa de rodaje se asumirá el trabajo práctico del asistente de dirección
LABORATORIO DE DANZA
Maestro: Ángel Ávila
Artista escénico iniciado en el teatro físico y gestual a partir del año 1994, integrando diferentes compañías y grupos de estudio e investigación relacionados en el área del entrenamiento y la interpretación. Continuamente o coyuntural a esta búsqueda, se integra a la práctica y observación de la danza contemporánea, como otro lenguaje que se acerca a su búsqueda.
Presentación
Este espacio se propone en el marco de un proyecto interdisciplinar, que tiene como objetivo construir un tejido de lenguajes construido con el lenguaje del cine, como universo que abarcara y donde desembocaran los diferentes espacios de practica, laboratorio y creación artística.
La danza, como lenguaje escénico y elemento narrativo desarrollará prácticas buscando dos aspectos relevantes, generar un trabajo colectivo de alistamiento corporal y abordar elementos de orden creativo. En este sentido, el proceso se desarrollará en etapas que irán arrojando elementos determinados pensados desde y con el lente de la cámara, y dialogantes con otros lenguajes estéticos.
Que se propone en el proceso desde el movimiento danzado
-
Adentrarse en una práctica corporal que brinde a los y las asistentes, un acercamiento al cuerpo como territorio de encuentro en común; empleando elementos y herramientas desde la danza como campo de conocimiento en el movimiento y análisis de este.
-
Paralelamente a la práctica de movimiento, sucederá la exploración del territorio creativo, sensible y dialogante; abriendo laboratorios y sucesos que no necesariamente buscan escenificarse, pero si llenarles de algún
Metodología
Este laboratorio de formación y exploración en danza propone acercarse al cuerpo mediante actividades como:
-
Movilidad consciente, eficiente y fluida.
-
Movilidad orgánica y continua.
-
Movilidad con tejido consciente y continuo.
-
Laboratorio colectivo de movimiento danzado.
-
Aplicación o implementación de los elementos tratados, en el proceso de creación interdisciplinario.
LABORATORIO DE ACTUACIÓN PARA LA CÁMARA Maestro: Jairo Ordóñez
26 años de trayectoria en la formación actoral, habiendo enseñado en instituciones como Thespis Estudio Actoral, Escuela Barragán, la Universidad Minuto de Dios, la Universidad del Rosario, la Universidad Nacional y la Universidad Pedagógica, y actualmente en 3 2 1 Arte. Su propia formación como actor se nutrió de maestros de referencia internacional como Rubén Di Pietro (construcción del personaje), Eugenio Barba (Taller Suzuki), Lilo Vilaplana, Norman Karen (técnica vocal), Santiago García (Teatro La Candelaria) y Pavloski, además de su paso por la Casa Nacional del Teatro, lo que le ha dado una base sólida tanto para su labor pedagógica como para su trabajo frente a cámara.
En dirección y actuación, cuenta con una filmografía extensa que abarca cine, televisión y teatro. Ha dirigido cortometrajes y largometrajes como La Separación y Vicios, y ha participado como actor en producciones nacionales e internacionales de gran escala, entre ellas Triple Frontier (Dynamo/Netflix, dirigida por J.C. Chandor, junto a Ben Affleck), Sound of Freedom (dirigida por Alejandro Monteverde, junto a Jim Caviezel), American Made (dirigida por Doug Liman, junto a Tom Cruise) y Running off the Devil (Patriot Pictures/Proyección Films, junto a Nicolas Cage), así como en producciones de televisión para Caracol TV y Canal RCN (Arelys Henao, Duro contra el Mundo, Mentiras Imperfectas, entre otras) y en montajes teatrales como Betty la Fea Teatro en gira internacional y Entre Lágrimas y Risas junto a Arelys Henao. Esta combinación de experiencia actoral internacional, dirección y docencia continua lo posiciona como una figura integral dentro de la formación y producción audiovisual.
"ARQUITECTURA DEL PERSONAJE CINEMATOGRÁFICO"
Taller Práctico de Creación, Psicología y Deconstrucción para la Pantalla Grande
Presentación
En el cine, la construcción de un personaje exige un nivel de detalle interior y coherencia biográfica minucioso. Dado que el cine no se rueda de forma cronológica, el actor debe dominar el mapa emocional y el arco del personaje para entrar en escena en cualquier punto del relato sin perder la verdad orgánica. Este taller brinda herramientas procedimentales (heredadas del análisis de texto, la
psicología y la antropología del movimiento) para que el actor deje de "representar" un papel y construya una entidad tridimensional apta para el microscopio de la cámara.
Objetivo
Guiar al participante en el diseño e internalización de un personaje cinematográfico complejo, dotándolo de herramientas de análisis de guión,
corporalidad y coherencia emocional para rodaje.
Metodología
Parte de un principio central: el actor no interpreta un personaje que apenas conoce, sino uno que construye desde adentro hacia afuera, a lo largo de cinco módulos progresivos. Se inicia con el análisis del motor interno del personaje —distinguiendo la necesidad primaria del deseo consciente— y su traducción visual en un "muro del personaje"; continúa con la construcción de una biografía invisible (recuerdos, traumas y secretos que nunca se dicen pero sostienen el subtexto) puesta a prueba frente a cámara en primer plano; avanza hacia el cuerpo y el microgesto, ajustando respiración, tono muscular y uso de la utilería según la escala del plano; introduce la lógica no lineal del rodaje real mediante un mapa de continuidad emocional que permite grabar el clímax el primer día sin perder el arco del personaje; y cierra con caracterización completa, rodaje de evaluación en condiciones de set y devolución crítica sobre pantalla grande. Cada módulo se apoya en el anterior, de modo que el trabajo interno (motor, biografía, cuerpo) siempre antecede y sostiene la exigencia técnica de cámara (plano, continuidad, caracterización).
En términos operativos, cada participante trabaja sobre un personaje de un guion cinematográfico real, asignado o elegido al inicio del taller, y lleva un cuaderno de bitácora donde redacta la biografía, cartas en primera persona y esquemas del personaje a medida que avanzan los módulos. Todas las sesiones combinan exploración actoral fuera de cámara —ensayo, réplica, escucha activa, trabajo en parejas— con práctica directa frente a cámara y análisis en monitor, de manera que el actor recibe retroalimentación inmediata sobre cómo su trabajo interno se traduce (o no) en la pantalla, antes de llegar a la escena de evaluación final.
LABORATORIO DE MONTAJE Maestro: Enrique Garzón
Enrique Garzón es comunicador social, periodista, realizador y productor audiovisual con cerca de veinte años de experiencia en el desarrollo de contenidos documentales, institucionales, periodísticos y de impacto social. A lo largo de su trayectoria ha trabajado en proyectos vinculados con derechos humanos, memoria, movimientos sociales, patrimonio, cultura y comunicación pública, combinando investigación periodística, dirección audiovisual, fotografía, montaje y producción. Su trabajo se caracteriza por una mirada documental centrada en las personas, los territorios y los procesos sociales, así como por una sólida experiencia en la construcción narrativa a partir de testimonios, archivo e investigación. Ha dirigido y participado en producciones para entidades públicas, organizaciones sociales, medios de comunicación y organismos nacionales e internacionales. Entre sus trabajos destacados se encuentran la serie documental Movimientos sociales en el cine colombiano, Resistencia en la Tierra del Viento —reconocida con un premio nacional a mejor documental en el festival de Cine “Historias de Región”. Actualmente desarrolla proyectos audiovisuales desde Ingravitto Cinema Agency, productora orientada a la realización documental, contenidos institucionales, comunicación estratégica, producción digital e innovación audiovisual. Paralelamente, trabaja en proyectos relacionados con patrimonio cultural y memoria desde el Instituto Colombiano de Antropología e Historia —ICANH—.
En los últimos años ha incorporado a su práctica herramientas de inteligencia artificial, producción virtual y nuevos flujos de posproducción, explorando su aplicación tanto en proyectos profesionales como en procesos de formación audiovisual.
Como realizador, su interés se concentra especialmente en las historias donde confluyen memoria, política, derechos humanos, territorio y experiencia personal.
Presentación
Este laboratorio prepara un equipo capaz de organizar, sincronizar, montar y entregar escenas durante el rodaje de una película. Los ejercicios nacen de los talleres de dramaturgia y fotografía y permiten aprender conceptos de montaje mediante escenas breves, cobertura limitada y recursos técnicos sencillos.
Duración: 10 sesiones de 3 horas, para un total de 30 horas presenciales. Modalidad: laboratorio práctico. Participantes: personas con experiencia audiovisual previa; no se exige dominio de DaVinci Resolve.
El montaje acompañará el desarrollo del guion y las pruebas de cámara. Durante las dos semanas de producción se iniciará tan pronto esté disponible el material de cada escena terminada, mientras el rodaje continúa en estricto orden de escenas. El líder supervisará los equipos, acompañará las escenas complejas y realizará la integración final.
Metodología
Los equipos practicarán el ciclo completo durante la formación y rotarán las funciones de gestión de datos, preparación, montaje y verificación. Para el rodaje se asignarán responsables estables según las capacidades observadas, conservando la posibilidad de distribuir escenas entre estaciones. Se prevén al menos cuatro estaciones con DaVinci Resolve gratuito y una estación de consolidación con Resolve Studio. Premiere será una alternativa para precortes cuando exista acceso a licencia. La cámara prevista es la Sony FX5; el formato de grabación y las versiones de software se fijarán después de una prueba real. El objetivo editorial es un primer corte integrado; el acabado definitivo se coordinará con las áreas correspondientes.
LABORATORIO DE PRODUCCIÓN Maesta: Jessica Santacruz
Realizadora audiovisual, productora y comunicadora colombiana, con experiencia en dirección, producción y desarrollo de proyectos de ficción y documental. Dirigió El Éxodo de Eva, cortometraje seleccionado en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana y el Festival IMAGO de la Universidad de las Artes de Cuba 2025 y ha trabajado en producción y asistencia de dirección en proyectos como la serie Los del Barrio 2026 sobre la organización comunitaria y la lucha por la vivienda en el barrio Policarpa Salavarrieta de Bogotá.
Actualmente desarrolla su primer largometraje documental, que ha participado en procesos de desarrollo y proyección internacional y que la llevará al FIFAC – Festival International du Film Documentaire Amazonie-Caraïbes 2026, en Guayana Francesa. Ha formulado y producido proyectos beneficiarios de apoyos de cooperación cultural, es fundadora y directora de Cine para la Paz, vicepresidenta de ANAFE y Consejera Distrital de Artes Audiovisuales de Bogotá.
Presentación
El Taller de Producción: de la idea a la realización se plantea como un proceso de formación-creación orientado a conformar y fortalecer un equipo capaz de comprender, planear, gestionar y ejecutar procesos de producción artística. La propuesta responde al enfoque del CEAC de articular la formación con proyectos reales y productos terminados, de manera que los participantes no se limiten a ejercicios simulados, sino que apliquen progresivamente las herramientas aprendidas en los proyectos de Casa Cultural Hoja al Viento.
El proceso se desarrollará en relación directa con tres frentes: la construcción y organización del dossier institucional de Hoja al Viento/CEAC; la producción y dossier del montaje escénico 12 hombres en pugna; y la preproducción, producción y cierre del proyecto cinematográfico experimental.
Objetivo general
Fortalecer las capacidades de los participantes para comprender y asumir funciones de producción general, producción ejecutiva y producción de campo, mediante un proceso teórico-práctico aplicado a los proyectos reales de Hoja al Viento/CEAC.
Metodología
Cada encuentro combinará conceptualización, análisis de casos, laboratorio práctico y seguimiento de entregables. Se busca que aproximadamente la mitad de cada sesión corresponda a trabajo aplicado de los participantes, reduciendo la separación entre 'clase' y 'producción'.
El proceso se organiza en diez sesiones progresivas que siguen el recorrido real de un proyecto de producción: parte de la introducción a los roles y frentes de trabajo, avanza hacia el desglose y plan de producción, la construcción de dossiers institucionales y de proyecto, el presupuesto y plan financiero, y la búsqueda y formulación de convocatorias; continúa con la producción de campo tanto escénica como cinematográfica (preparación de rodaje, ficha técnica, locaciones y permisos), y cierra con la operación durante el rodaje y la etapa de postproducción, cierre administrativo y circulación. Cada sesión no es un tema aislado, sino que produce un entregable concreto y acumulable (organigramas, matrices, presupuestos, planes de rodaje, call sheets, checklists) que va nutriendo tanto el dossier institucional de Hoja al Viento/CEAC como la carpeta de producción del proyecto cinematográfico y escénico de referencia, de modo que el aprendizaje se materializa directamente en herramientas reutilizables y no solo en contenido teórico.
Metodológicamente, Producción se entiende como un área articuladora y no sustitutiva: no reemplaza las decisiones de Dirección, Actuación, Fotografía, Arte, Sonido u otros departamentos, sino que organiza e integra sus insumos en planes realizables, respondiendo siempre a seis preguntas por cada necesidad (qué se requiere, quién lo solicita, quién es responsable, cuándo debe estar listo, cuánto cuesta y de qué depende). A medida que avanza el proceso se asignan células o responsables por frente (producción ejecutiva, dossiers, convocatorias, locaciones, logística, caja, documentación y campo), de manera que los participantes no solo conocen las herramientas de producción, sino que asumen responsabilidades concretas dentro de una estructura de coordinación real.
TALLER DE DISEÑO Y PUBLICIDAD
Maestro Fabián Pérez
Diseñador Gráfico, especialista en Marketing Digital, con más de 18 años de experiencia integrando creatividad, comunicación visual, estrategia digital y desarrollo de negocios. Especialista en ecosistemas digitales, ecommerce y monetización online, con experiencia en Shopify, Hotmart, Social Media, Performance Marketing, Meta Ads, Mercado Ads, Branding y Dirección de Arte. Capacidad para transformar objetivos de negocio en estrategias, campañas y experiencias digitales orientadas a posicionamiento, generación de tráfico, conversión y crecimiento comercial.
Toda imagen gráfica de cine cumple una función retórica precisa: condensar, en una sola composición, la promesa emocional de una obra que el espectador todavía no conoce. Esa es la premisa sobre la que está construido este laboratorio. Aquí el diseño y la publicidad no se entienden como el acabado estético de una producción audiovisual, sino como las disciplinas que le dan sintaxis visual a una narrativa y la ponen en circulación frente a un público.
Durante 10 semanas, un grupo de participantes asume el desarrollo integral de la identidad de marca y la campaña de comunicación de una producción audiovisual real del Centro Experimental: desde la lectura crítica del guion hasta la implementación de la estrategia digital de lanzamiento. No se trata de un ejercicio académico simulado, sino de un encargo real, con las exigencias de tiempo, coherencia y ejecución que eso implica.
Alcance del laboratorio
El participante recorre el ciclo completo de un proyecto de diseño aplicado a la industria audiovisual: interpretación narrativa del material fuente, construcción de un sistema de identidad visual (logotipo o tratamiento tipográfico del título, paleta cromática, lenguaje fotográfico y recursos gráficos derivados), desarrollo de un key visual y su despliegue en afiche, portada y adaptaciones digitales, formulación de un concepto publicitario con insight, promesa y territorio de comunicación propios, y traducción de ese concepto a un ecosistema de piezas para redes sociales, campaña de expectativa y lanzamiento.
El trabajo se organiza por roles —dirección creativa, diseño gráfico, dirección de arte, copywriting, estrategia digital, fotografía publicitaria— y se desarrolla en articulación directa con los demás laboratorios del Centro Experimental: cámara, actuación, arte, guion y montaje. Esta interdependencia no es incidental: reproduce la manera en que efectivamente opera un equipo creativo dentro de una producción audiovisual, donde el diseño rara vez trabaja sobre un brief cerrado y debe construir sentido a partir de material en desarrollo.
Fundamento pedagógico
El laboratorio se organiza bajo un modelo de aprendizaje basado en proyectos: cada sesión introduce un marco conceptual y técnico, lo somete a experimentación dirigida y lo aplica de inmediato sobre el proyecto en curso, hasta convertirlo en una pieza de producción. Esta secuencia —de la teoría a la pieza terminada— privilegia el aprendizaje situado sobre la instrucción abstracta: los criterios de composición, jerarquía visual o narrativa de marca no se evalúan en abstracto, sino en su capacidad de resolver un problema de comunicación real.
Esta condición redefine el rol del error dentro del proceso formativo. No hay una respuesta correcta que replicar, sino un brief creativo con restricciones reales —de tiempo, de recursos, de coherencia narrativa— que exige del participante criterio propio y capacidad de sustentar sus decisiones de diseño frente a un equipo.
LABORATORIO DE SONIDO CINEMATOGRÁFICO Maestra: Juliana Gonzalez Silva
Maestra en Cinematografía de la Universidad Central de Colombia, con profundización en sonido y montaje. Su trayectoria y pasión está enfocada en el sonido, con cinco años ejerciendo cargos como: sonido directo, diseño sonoro, postproducción y mezcla en proyectos cinematográficos reconocidos en múltiples festivales nacionales e internacionales. Entre sus participaciones más recientes y reconocidas como sonidista está el largometraje "Todas las canciones del mundo" recién estrenado en el festival Cinemancia.
Actualmente se está formando como productora musical y constantemente participa en talleres y procesos de creación y experimentación sonora en Colombia.
Justificación:
Desarrollar este tipo de procesos formativo-prácticos específicos en cada departamento permiten al participante entender la función y papel fundamental de cada uno de ellos en una producción cinematográfica. El sonido es un componente fundamental del lenguaje cinematográfico, no solo como elemento técnico, sino como una herramienta narrativa capaz de construir atmósferas, espacios, emociones y sentidos. No es más ni menos importante, que lenguajes que suelen ser más reconocidos como la imagen. Su desarrollo dentro de una producción audiovisual requiere comprender tanto sus fundamentos como los procesos de trabajo, responsabilidades y dinámicas de colaboración que intervienen en las diferentes etapas de una obra artística.
Por ello es tan valioso construir accesibilidad a estos espacios de formación articulada, directamente con la realización de un proyecto cinematográfico profesional, haciendo honor al lema de “Aprender haciendo”. Brindando experiencias realmente fructíferas a quienes están interesados en aprender y ejercer algún oficio en el cine nacional.
Objetivo:
Desarrollar en los participantes las competencias teóricas, prácticas y colaborativas fundamentales para desempeñarse dentro de un equipo de sonido cinematográfico, mediante un proceso progresivo de formación, experimentación y aplicación directa que les permita asumir roles y responsabilidades en la preproducción, producción y postproducción.
Propuesta y metodología general: El taller estará basado en una metodología teórico-práctica y experiencial, en la que los conceptos técnicos serán introducidos a partir de situaciones concretas de la realización cinematográfica. Cada conocimiento adquirido tendrá una aplicación práctica y progresiva, buscando que los participantes desarrollen autonomía para desempeñarse dentro de un equipo de sonido.
● Aprendizaje teórico: Construir bases sólidas para una práctica consciente y segura.
● Aprendizaje práctico: Aprender mediante ejercicios la resolución de problemas reales.
● Aprendizaje colaborativo: Coordinar un trabajo conjunto con otros departamentos tal como funcionan los proyectos profesionales.
● Aprendizaje basado en proyecto: Experiencia real en el rodaje profesional.